近年来，中国文化艺术开始走向世界，来纽约演出和举办艺术节、电影节活动的中国机构和文化艺术团体很多，但有时送票都没有人愿意去看，更不谈影响美国主流社会了。

但今年林肯中心艺术节的组织者选择的三个有代表性的中国艺术团体的演出，他们分别代表中国传统戏剧、中国现代舞蹈和中国传统艺术。他们是川剧《凤仪亭》剧组、陶身体现代舞团和布袋戏表演艺术家杨辉《手的故事》表演组。这三个团体演出的票价均不菲，但全部的演出票销售一空，观众几乎都是主流美国人。从每场的演出效果看，场场爆满、气氛热烈，颇受欢迎。这说明了什么呢？

川剧《凤仪亭》向观众讲述了“吕布凤仪亭私会貂蝉”的三国故事。来自重庆市川剧院的著名川剧表演艺术家沈铁梅出演女主角貂婵。由中央音乐学院著名作曲家郭文景根据同名川剧创作，由曾获奥斯卡最佳导演提名的加拿大著名电影导演伊戈扬（Atom Egoyan）执导，全剧舞美、配乐等均出自国际一线团队。剧中沈铁梅用川剧高腔“搭档”京剧和现代音乐，演绎了新版的《凤仪亭》。45分钟的《凤仪亭》中有13分钟的川剧唱段，尽管与现代音乐融合，但其中的川剧唱腔依旧原汁原味，这种尝试使川剧显得非常时尚。

为了达到最好的视觉效果，导演伊戈扬专门设计了两层纱幕。“第一层纱幕上打出的字幕，是可以随着主演的情绪变化而跃动。”不仅如此，令沈铁梅感到新奇还包括一些配合情节设计的新展现方式。“当故事发展到貂蝉使用连环计时，吕布的出场就采用了现实结合影像的方式：先是由貂蝉用线拉动，吕布的影像越来越大，直到真人现身，体现了吕布其实是貂蝉的棋子。” “虽然服装等我们都逐渐在尝试新元素，但在手势、唱腔等关键细节，我一直坚持的是必须保持原汁原味的。我是一个戏曲人，这是我的强项。”“郭先生再次展现了引人注目的黑色电影式复杂情绪和像爵士摇摆音律的完美融合。”“沈铁梅用中国传统带有鼻音特点的发声方法，演唱高低自如，跌宕起伏，极具穿透力；在表演上，她运用川剧特有的表现手段，如眼神、手势及身段把貂蝉这个角色的外形特征和心理特征，表现得准确、完美、活灵活现。”

虽然舞台上只有貂蝉、吕布二人，但现代光影技术的运用，使得舞台呈现出千军万马般的恢宏气势，观众一次次被征服。“这一次，我是用世界的语言传播川剧文化。” “拥有300多年历史的中华艺术瑰宝川剧需要创新，每一代人为川剧留下的时代印记，正是川剧传承至”。 英国《金融时报》对沈铁梅的演出给出了5颗星的最高评价，《纽约时报》则四次报道了演出盛况。《华尔街日报》、《华盛顿邮报》等报刊亦大篇幅盛赞《凤仪亭》。

参加林肯中心演出的中国的陶身体剧场是中国的“另类”。创始人艺术总监陶冶毕业于重庆舞蹈学校舞蹈专业。2008年3月成立的陶身体剧场，是当今中国新生代先锋艺术家的代表。他们一直坚守独立创作的精神，一开始就把市场定在国外。去年纽约秋季舞蹈节汇聚了来自美国和全世界的20多个优秀舞蹈团体，陶身体剧场演出了为艺术节特别改编的舞作《重之三部曲》，由舞团三位创始人陶冶，段妮和王好演绎表演一出场就受到主流关注。

创始人艺术总监陶冶说：“外国观众最吃惊的是我们作品表达的理念。我的作品没有主题，这种抽象的概念必须建立在非常强烈的视觉方面才能达到。在我的作品中他们看不到我的情感，但能够发展出他们自己的情感。全世界也很少有人有这样的作品，在全世界都是独一无二的，带有浓郁的个人色彩”， 陶身体剧场和国际上现代舞理念接轨，并用中国元素诠释，展示出独特魅力。 

陶身体剧场的经纪人、美国人方美昂的加入无疑拓宽了陶身体剧场的生存空间。2008年3月成立以来，陶身体剧场曾跟不同艺术门类的艺术家多次合作。如法国钢琴家Veronique Truffot、新西兰视觉影像艺术家Alyx、荷兰编舞Anouk Van Dijk、台湾云门舞集二团编舞布拉瑞扬、戏剧艺术家林兆华、实验音乐家小河、雕塑家向京、摇滚音乐家崔健等。近几年以来, 陶多次应邀参加国际各类大型艺术节的演出，所到之处皆大受欢迎。纽约媒体评论道：陶身体剧场演出“绝对的震撼，无与伦比的体验。”“陶身体剧场作品具有颠覆性的舞蹈语汇。”"难以抗拒"（《纽约时报》） “具有惊艳之美”。“舞者她们可能是两个身体，但时间的掌控如此完美，以至于看起来像是合二为一。然而除了满足初始的视觉体验之外，其中还蕴含着更深远的意境。”“演员的速度和娴熟令人赞叹。”“这是迄今为止来自中国的最有意思的舞蹈。”“是不容错过的视觉盛宴。”

旅法漳州布袋戏传人杨辉新作《手的故事》，以现代戏剧手法，混合多媒体影像、概念音乐和布袋戏同台演出。他说，“时代在变，传统手法也要变”。

《手的故事》由布袋戏世家第5代传人杨辉自述家族故事。父亲杨胜在文革中遭批斗，落寞去世。他个人在中国大陆1989年学运后出走，而后在生活困顿中一度想放弃布袋戏演出，后来他的艺术在欧洲受到肯定，走出了布袋戏艺术新路。

杨辉负责舞台设计、自行雕刻制作布袋木偶并操作。开演时，剧院里全黑舞台上没有彩楼。天地垂直线，使用台湾视觉艺术家叶怡兰制作的多媒体影像，以国画泼墨手法呈现“空”的意象。整个舞台都是表演的空间；偶师不藏身于布袋木偶后，而是直接呈现在观众面前；约70分钟的表演中，对白、锣鼓点都不多，融合新音乐与民族风的音乐贯穿全戏，有时还与影像互动。

杨辉表示，先前已使用过移动布景，有电影效果的演出手法做布袋戏。这次在《手的故事》中，在布袋戏之外，操作木偶人本身也是演员，舞台上使用多媒体影像，舞台上道具不断流动，以及灯光等戏剧表现手法的运用，还是第一次。他说，布袋戏演出可以很宽广，它可以是主角、也可以是道具、象征、视觉剧场或物件剧场的一部分。杨辉说，运用新科技技术，表现多样，创作更宽广。

杨辉以现代剧场表现演出传统布袋戏，他认为，传统艺术不能一直停留在传统演出方式，传统最重要的是其中的精神。他目前的团队由世界不同国籍人士一起组成，他说，从事艺术的青年要多出来与其他人交流、合作，才能看到更多可能性。此前，此剧已在欧美巡演百场，场场好评。当他在南美洲演出时，所有的观众在表演结束后都冲出来等他，整场下来，我觉得自己就像Beatles(披头士)样受欢迎。

杨辉体会到不能光靠传统，而是要有独特与创新，“欧洲的艺术太丰富，如果死抱着传统，马上要饿死，何况我们的传统也不是他们的传统！”“艺术是讲人性的，只能人性才会感动人”。《手的故事》里最后的意像，是舞台上一盏油灯，这是杨辉用来描述他对家传技艺的看法：“如同油灯一样脆弱，一不小心就灭了。但如果保护太好，包得太紧，没有空气也会灭”。

中国传统艺术只有与创新结合，才能更好地走向世界。