----------------中国画高质量发展的文化自信   续四

【引】时代是飞速发展的！“从现在开始的十年里，许多的工作岗位可能都会被逐步的取代。最典型的就像绘图行业的打工人，之前一张插画能卖到120块（我感觉：只有写实性的中国画、西方绘画等等而没有文化品味的“艺术品”只是“生产流水线上的产品”与插画相似——以术求术，没有文化价值的，不能称其为艺术品！），现在有了AI，一张图只要不到一块钱就搞定。最关键的是，AI一天能够生产的图片数量绝对不是人力能够达到的，价格，更是只有人力的1%都不到。也就在他火爆的这两个月时间里，一些先摸出门道的学生甚至开始尝试用check gpt生成论文儿。居然还取得了不错的成绩，还有那些开发出chat gpt的程序员，也因为无法比肩chat gpt的学习能力，性价比太低，把自己的饭碗给打没了。”摘自《第九百二十二期<绍骅博览>与您一起纵览天下！ 3》顾绍骅以为:    随着人工智能AI技术的发展，越是刻板机械的（数码照片似的艺术品），就越不值钱；与之相反，越具有人文意蕴（诗情画意作品等等）的价值倍增。

众所周知，自从1839年8月19 日法国画家达盖尔公布了他发明的“达盖尔银版摄影术”，于是世界上诞生了第一台可携式木箱照相机。西方艺术家们开始思考“能否将写实风格进行到底”了，于是，在写实性陷于死局，人们把目光转向东方：

印象主义，也称印象派，又称为“外光派”，是西方绘画史中的重要艺术流派，产生于19世纪60年代的法国。1874年莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，印象派由此而得名。

《日出·印象》这是一副油画作品，它的降世，完完全全体现出作者对它的绘画风格是有要求的，它更注重于构图、画面效果、意境和色彩。它大胆的表现手法也体现出作者不拘束于官方学派的画面轮廓谨慎。

我们看到的这幅“印象”是早上六点的勒阿弗尔港口，画面的景物在一片朦胧之中，但我们仍旧一眼能看出这是一个港口的早晨。水、船、远处装卸货物的高大塔吊，和空中一轮冉冉升起的红日，这些元素为港口打上了鲜明的标志。在这幅画中我们可以看到泛着波光的海在初升的太阳金黄暖光照耀下显得格外幽美，海面上的小船在朦胧薄雾中若隐若现，渐行渐远，远处有着模糊的工厂烟囱，烟囱冒出的浓烟与薄雾结为了一体，美得朦胧美得触不可及，这个景象完全是在模模糊糊的色彩表现手法展示出来的。通过这个画面，我们可以看到当时作者眼中的自然景象，也看到了他通过画笔传达给我们的港口的神妙。在画中看到的不仅仅是港口的风光，还有着光和色彩的交替变化，在整体色彩上，小船和太阳的色彩较为突出，作者在运用蓝灰调、黄色红色调，紫色调作为基础色调。

顾绍骅对此风格的理解：打破数码照片似的“格式”，追求中国画表现形式——形而上的抒情，不拘泥于“形的桎梏”，讲究“天然去雕饰”（如同大自然中的存在，没有人工雕琢的痕迹。）。中国文化讲究中正平和，即：“道行中央、不偏不倚”其特征表现为：含蓄、内敛、自然。在这种文化支配下，中国画从传统上就确立了以“写意”为主，以表现自然为主的绘画理念，注重画面深沉旷达、幽远博厚的意境的表达，给人一种心旷神怡、宁静致远、借景抒情、托物言志的感觉，而并不刻意追求画面的形象逼真效果。而《日出·印象》符合“中国文化特征”，热情、活泼、跳跃、自然的表现笔触，打破死寂般的“格式”；以东方艺术情怀（韵味），代替“看图识字”班的描摹。

（一）莫奈的东方元素  在1867年世界博览会上，当莫奈第一次看到具有东方韵味的中国画墨韵时，曾经兴奋异常地写道：“他们以精辟的趣味时时叫我喜欢，我赞同他们美学原则中的暗示，它利用一个阴影引起实在感，利用一个片断引起整体感”。还有中国传统艺术，如诗词书画，都极讲究诗情的抒发和意境的营造，讲究“计白当黑、虚实相生”、讲究天人合一、讲究写意、讲究平和冲淡（计白当黑的意思是以实托虚，不能认为虚是什么也没有的空无，其实这更具有无形的形象。对一般人来说，这似乎不大容易理解，确实眼睛看不见，没有形象。但就从整幅画观看，那么周围的环境就会造成一种“有形”的形象。所以说，留白是一种无形象存在的艺术。计白当黑，烘云托月法最为明显，在中国画中是一种最常见的渲染和留白相结合的方法，也是简单得不能再简单的表现手法，不用加以说明，一看就知道画的是什么。）这些，我在莫奈的作品中都看得见和感受得到。关于中国国画的意境，归纳起来大致有磊落大方、意气风发、恬静肃穆三种类型。这三种意境都是正统的被人们所赞赏的绘画的最高境界。

（二）东方绘画与西方绘画的差异性  西方绘画是在画布上用颜料反复涂抹出光影和透视效果。中国绘画则是在一张白纸上充分利用虚幻而简略的手法概括具象。中国的语言习惯多采用隐喻，含蓄，委婉，曲折的方式表达重要意思。西方则是直接，理性地强调重要内容。这当然与生活习惯，地理位置，自然环境有着密切的联系。东、西方审美意识的差异，主要表现在文化艺术和意识形态。文学、诗歌、戏剧、电影、舞蹈、绘画、雕塑、建筑，美育和价值观念等方面，都有太多的不同。一种文化现象的发生和发展，是人类长期审美实践的产物。人的审美知觉在漫长的审美实践中逐步形成和提高，并通过种族的遗传而获得。

莫奈与中国传统绘画  在莫奈绘画与中国传统绘画渊源方面，可能找不到最直接的证据，只能通过对莫奈油画的研究，发现其绘画技法和风格除了有日本浮世绘（起源于中国画）的影子，还与中国的传统绘画有着惊人的相似之处。其实莫奈一生追求的光影和色彩的变化与中国画中追求的似于不似之间以及莫奈风景油画方面的造诣与中国山水画中的取其意，忘其形，得其境，忘其身都有着异曲同工之处。

莫奈作《睡莲》睡莲的叶子是暗绿的，而花朵有白黄相间的、紫红色的、还有暗红色火焰似的；看似随意的彩色线条笔触柔和，似乎让水流动起来，水面倒影，映衬着白云，如同伫立在池塘旁边，领略到：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。”的唐诗意境。几乎已经没有实实在在的形体了，笔触和短线在微妙的色域变化无穷，象极了中国画中笔墨呈现的抽象山水。

莫奈晚年视力因白内障下降的厉害，一辈子坚持对大自然写生的作画习惯和方式很难走不下去，这时候只能辅助凭记忆和主观处理画面，失去一部分视觉的依耐，心灵的眼睛反到变得清澈了，所谓失之，得之 。注视作品的局部，如果把色彩调成黑白，几近无形，唯有线条，长短，深浅，跳跃，已从明媚中回归混沌。莫奈为何如此迷恋睡莲，答案并无定论。有人认为他是受到了东方思想的影响，类似于中国画讲究的“天人合一”，将人的情感与自然相通，达到一种'入画忘我’的境界。微细笔触和色彩间的微妙过渡已经构成更复杂的构图，这一点，大概只有我们中国人才明白。到最后的一池睡莲，莫奈的东方审美趣味又回归到最古老的东方，变成纯中国式的了，他所追求与表现的就是中国传统绘画中的“意在笔先”“妙在似于不似之间”。

莫奈《睡莲》系列：《睡莲》系列画是在自我情感和审美意境的不断探索中创作出来的，注重表达自己独有的个性和艺术情感。莫奈让我们看到了不一样的《睡莲》，一个荷塘，色彩各异之下睡莲呈现绽放之姿。这幅惊世之作是在他心爱的妻子去世后创作的，但莫奈的创作其实没有随着心爱的女人离去而变得黑暗，相反，他的画作始终充满生气与活泼的色彩。他从客观物象中选取抽象的线、形、色彩等来构筑艺术的生命，他用颤动的笔触、绚烂的色彩和流畅的线条表现出了池中睡莲在阳光下的瞬间印象，充满了表现的激情和欲望。我们能从中真切地感受到莫奈画笔的神奇力量，能感觉得到睡莲作品中光色的奇幻艺术以及其中蕴含的独特的审美意象。莫奈对晦明变化中的各色睡莲进行了精粹的提炼，甚至是季节变幻的颜色，都被他描绘在画布之上。莫奈的系列画作《睡莲》真正达到了寓情于景、情景交融的艺术境界，以睡莲之“象”寄寓胸中之“意”，从而表达了他对大自然光色艺术的无限迷恋。莫奈通过睡莲这一特定的媒介表现了自然环境下水中云彩、垂柳、浮萍、花草等的瞬间气息。可以说，睡莲是莫奈找到的“意”与“象”的契合点，从而使作品充满了迷人的意境，达到了物我合一的艺术境界。莫奈作品中迷人的色调，是他表达个人情感和意境的主要手段，正如唐代诗人孟郊唱道：天地入胸臆，吁嗟生风雷。文章得其微，物象由我裁!莫奈的睡莲作品介乎“似”与“不似”之间，“以形写神，以神尽意”，这种审美韵味正是他意象思维的结果。

顾绍骅《双莲》等作品，除了按照形质在“似与不似之间”外，还讲究“诗情画意”与形质的匹配（中国画是中华优秀传统文化的厚积薄发，作品讲究诗书画一体）；

一、中国诗意花鸟画——《双莲》

【题画诗】绿塘摇滟接星津，脸腻香薰似有情，故遣双莲一夜开，此地依前泥苦吟。

【欣赏】在一片碧绿的荷塘，轻风摇曳着莲花、莲叶、水草，并且吹动着水波泛起一层层涟漪，远远看去就像星光点点，一直连接着渡口，那水中芙蓉，脸着浓妆、香气扑鼻，好像含情脉脉的恋人，相互拥有；所以得到上苍的恩赐——让他们一夜尽开……，而我在此地也像以前那样，为了寻觅祝福的佳句苦苦地吟诵着。人间四月，春意正浓，桃花盛开，花开花飞，无穷无尽；因此说，春天到来是不负人间的喜爱之情啊！那桃花源就是在镜湖中，我们游历在这桃花源里，那醉人的暗香与婀娜多姿、疏影横斜的桃树枝，都印现在我们衣服上……。

中国画最重要的一点就是不是画东西，而是一种意境。表现为托物言志，以情寄物等等，无需炫技。

规格：68×136㎝  纸本设色  2011年 10月创作

附本诗出处：

1、唐·温庭筠《莲花》诗的第一句：绿塘摇滟接星津

2、唐·郭震《莲花》诗的第一句：脸腻香薰似有情

3、宋·苏轼《沈谏议召游湖不赴明日得双莲于北山下作一绝》诗的第四句：故遣双莲一夜开。

4、唐·崔橹《岳阳云梦亭看莲花》诗的第八句：此地依前泥苦吟。

二、中国花鸟诗意画《嘉玲》

【题画诗】菡萏溢嘉色，藕隐玲珑玉。今朝感恩处，会解如老师。

【欣赏】宋人杨万里有诗云：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。”夏日的荷塘，微风阵阵、荷叶依依，如同玲珑玉般的莲藕，隐藏在清澈见底的；湖泊真是美不胜收，湖水泛着微波，清澈见底。多么像一块巨大的绿水晶啊！水下，小鱼摆动着优美的身躯，淘气地吐着小泡泡。岸上的柳树抽出新的枝条。一只只从湖面上掠过。湖面上出现点点船只。不愧是西湖，真是“欲把西湖比西子，淡妆浓抹总相宜”啊！

本诗出处：

1、唐·柳宗元《构法华寺西亭》诗的第十九句：菡萏溢嘉色，

2、唐·无名氏《白蘋洲碧衣女子吟》诗的第五句：藕隐玲珑玉

3、唐·崔藩《暗投明珠》诗的第十一句：今朝感恩处

4、唐·姚合《赠卢沙弥小师》诗的第四句：会解如老师。

三、中国花鸟诗意画——《翠鸟》

【原诗】有意青莲间，瞥然下高树。擘波得潜鱼，一点翠光去。唐·钱起《蓝田溪杂咏二十二首·衔鱼翠鸟》诗意

【欣赏】翠鸟有意在青青的莲叶之间守候，忽然迅速地从高高的树上飞下，冲开波涛，衔得潜在水里的游鱼，然后消失；在水面上留下一点翠光。

规格：67×67 ㎝  纸本设色  2011年 4月创作

【日本画起源】鉴真六次东渡日本的文化输出

鉴真也把我们国家当时很有名的诗人的书法、绘画作品、以及医学、建筑等带到日本。现今，日本的文化、建筑等还有大量保存着我们历史文化的身影。在唐宋年间，我国处于一个相对开放包容的国家，经济，文化都到达了鼎盛时期，有很多邻近的国家纷纷过来膜拜，学习我们的经济文化，把很多好的文化，物品输出到其他国家去，也引进了很多新的文化进来。

据史料了解，日本水墨画源于镰仓时代（1185~1333），兴盛于室町时代（1336~1573）这两个时期受中国宋代绘画影响颇深。日本早期的山水画是模仿从唐代传入的佛经里经典人物为背景原型来进行创作的，而后期被人们广泛流传，到宋朝时更为兴盛，其中就有当时比较有名的南宋两位绘画家梁楷、法常代表的山水画和人物画的作品流入日本。此后又有大量的日本画家前来中国求学，他们在中国廷画派画师那里学到了南宋画家马远、夏圭很多的绘画技法，在后来很多的日本绘画作品中都有体现，像“画圣”雪舟的《四季冰山雪图》就是根据在中国廷画派画师那里学习到的技法回到日本后创作的作品之一。

雪舟（1420～1506） 日本画家。名等杨，又称雪舟等杨。生于备中赤浜（今冈山县总社市）。曾入相国寺为僧，可能随同寺的山水画家周文学过画。雪舟生于四代义持的统治期，历经义量、义教、义胜、义政、义尚、义澄，活到十二代的义晴，共经历了九代将军。就历史分期而言，他生于所谓西山时期，经历室町文化最繁荣的东山时期，死于所谓“应仁之乱”的战国乱世。87岁，其一生几乎与整个十五世纪相始终。雪舟「四季山水图」,主要展现四时节令。在构图与技巧方面，类似於南宋至元代传统的马远、夏珪、孙君泽等院体传统，画面风格极近明初浙派奠基者戴进画风。

4  雪舟《四季山水图》

其中，思堪所画的《平沙落雁图》也是现存日本最早的水墨山水画。

日本江户时代著名书画家、文人画之祖 池大雅（霞樵） 水墨山水画《深山访友图》

池大雅（1723年5月4日-1767年4月13日），号大雅堂、霞樵，日本江户时代中期著名书画家。自幼喜欢书法，后自学中国《八种画谱》，15岁即以扇面画谋生。26岁时遍游各地，以擅长指头画闻名。从代表作《日本名胜十二景图》、《山水人物图》、《楼阁山水图屏风》等画中，可以看出他从学习中国文人画入手，融和日本传统绘画，又吸取西洋画营养，形成了自己独特的风格，成为日本文人画的指导者。

1、民族审美取向的契合。在日本民族中，有一种复杂的、隐秘的文化传统。日本自古为滔滔汪洋所困，资源匮乏，孤立无援，被阻隔在大陆主流文化以外，人种和文化的由来又扑朔迷离，于是在民族心理中有一种对过去和未来都无法把握的情绪。在这一因素上，形成了雅致精巧的传统艺术模式，体现出了一个民族纤巧、敏感的一面。在审美取向上也更接近精致、严整、简淡、细腻和秀美一派。中国宋代是一个重文轻武的时代，文人占主导的社会意识形态下，产生了一种相对柔软和伤感的心理。特别是南宋时期，江南的富泽和西湖的柔美加剧了统治者的感性，加之国破山河、江山半壁及对国家存亡的未知，使敏感的文人选择精致或简淡的艺术来聊以自慰。也正是双方这种心理的契合造成了审美取向的契合。2、日本禅宗的兴盛与新兴武士的改革。僧人文化交流对宋代文化传入日本起到非常重要的作用，明庵荣西禅师于仁安三年（一一六八）入南宋学习禅宗，回日本后创立建仁寺，自此禅宗在日本迅速发展。许多日本僧人纷纷来到中国寻根问祖，经书、佛像画和充满禅意的水墨画不断传入日本。新传入的禅宗对武士阶层的社会意识起到重要作用，于是被武士阶层认同，且作为他们改革的理论和行为支撑，也将其作为改造传统绘画的手段。禅宗和武士政治政权的结合，国民的审美取向慢慢发生了转变。表现在艺术审美方面，由于禅宗对绘画意境的特殊需求，禅师们更喜欢一些象征着纯洁、雅静的山水画和花鸟画，作为悟道的境地，即所谓的“禅境图”。而马远、夏圭等的南宋山水画恰好具有明净的画面、虚空的氛围和诗意般的境地，更符合“参禅”及装饰的功用。日本画家对南宋山水画的偏爱，最早也应出于禅意（意境）。南宋绘画对日本水墨画的影响是显而易见的，但不是说日本水墨画没有独自的创新。作为一个独立的民族，其地域和思想的不同自然会影响到绘画艺术方面。日本为一个岛国，潮涨潮落、四季分明，致使其传统的“大和绘”特别重视对季节的描写，这种情感也同样带到了山水画中。笔者以为，宋画更多的只是在技法和样式上被日本水墨画借鉴和学习，而在表现对象上仍以传统的“四季风景”为主。日本早期从中国唐代绘画中脱胎的“大和绘”与宋画技法的结合，最终汇成了日本水墨画的特点。到室町时代后期，日本水墨画更注重自然风物的描绘，更注重和装饰意味的提升，逐步摆脱了宋画的痕迹，形成了具有日本民族特色的绘画样式。

马奈的作品吸收了东方绘画的营养，画面不受拘束，追求独立自由，具有一种高贵古雅。马奈是一位划时代的伟大的画家。中国画以线造型的启发，概括的造型以及优雅的黑色调，故而他笔下的人物既有典雅质朴的厚实，又有简练灵动的洒脱。他一生都坚守形体与平面之间的制衡关系，同时受中国画水墨晕化层次变化美感的影响，舍弃了传统绘画里的中间灰而偏爱饱满鲜明的色彩，扁平化的形体和淡化的景别使画面具有独特美感。在各种流派文化和思想混杂的今天，如：“顾绍骅的诗情画意”作品与莫奈、马奈“印象派”作品虽然出自两个画种，但仍然有许多异曲同工之妙也！

爱德华 · 马奈：他具有强烈的革新意识，在创作中吸收古典技法和日本浮世绘元素。他的绘画题材广泛，静物画、风景画、人物画均有涉猎，为人们生动展现了一幅幅现代生活图景。爱德华·马奈的艺术门类主要是油画，他从未参加过印象派的展览，但他深具革新精神的艺术创作态度，却深深影响了莫奈、塞尚、梵高等新兴画家，进而将绘画带入现代主义的道路上。受到日本浮世绘及西班牙画风的影响，马奈大胆采用鲜明色彩，舍弃传统绘画的中间色调，将绘画从追求立体空间的传统束缚中解放出来，朝二维的平面创作迈出革命性的一大步。

顾绍骅以为：中国画的本质是借景抒情、托物言志；这是在“讲故事”，而图文并茂是让人懂得的最佳方式；（图文并茂，意思是指在一篇文章里，图片和文字都很丰富多彩，互相陪衬、相得益彰。）王维开创诗与画的结合——中国画的诗情画意”的萌芽。宋徽宗赵佶创立了“中国画的诗情画意”标准形式——集诗书画于一体；自此成为了中国文人永恒的精神追求。

顾绍骅创作风格：1.咏物抒情部分——“集古句”【依据画面意境来进行挑选最适合、最贴切的诗句,并且,进行重新整合、排列达到“经典”(再创造的高峰)】因为,这样的内容是中国传统文化底蕴的“再现”；这样的创作现在已经中国画家很少“为之”的，也是很高雅的（因为这样的创作方法，有一定的难度；目前是“高处不胜寒”。）目前，好像是只有我一个人是这样“探索”来创作的。2.画面的诗意表现:传统山水画的“随类赋彩”的实际色彩比较“沉闷”,如果继续“维”之,就是“食古不化”啦;因此,借西法之“长”,为我所用,这样可以“雅俗共赏”!

【结论】在印象派之后的绘画流派，无论是立体主义、野兽主义还是表现主义，都在不同程度上受到了印象派绘画理念的影响。由印象派起，西方绘画逐渐变得生动自然并且趋向东风西渐等多元化。在欧洲的绘画发展史上，莫奈的绘画受到中国画艺术的影响是有史可鉴的，同样我也能看到中国传统绘画中其心灵性的表达理念和思想境界在莫奈画中的完美呈现。在莫奈绘画与中国传统绘画渊源方面，可能找不到最直接的证据，但是莫奈一生追求的光影和色彩的变化与中国画中追求的似于不似之间以及莫奈风景油画方面的造诣与中国山水画中的取其意，忘其形，得其境，忘其身都有着异曲同工之处。著名的美学家丰子恺先生认为“因为日本绘画是出自中国传统绘画艺术的，因此印象派绘画是受到中国传统绘画感化的。”可能基于这种种的机缘巧合，就在有意无意之间将莫奈、马奈等等印象派与东方文化牵扯在了一起。“中国人之所以对印象派的艺术感兴趣，不外乎有下列原因：一，印象派画家有严谨的基本功，但不拘泥于写实，很注意笔触的自由，潇洒中表达情绪，表现神韵，有相当的写意性，这与中国人审美趣味相通。二，印象派从中国、日本艺术中吸收了营养，在表现语言上追求绘画的平面性、装饰性，使中国人感到亲切，也易于为他们所接受。三，印象派的写生强调写印象、写感觉，这一点与中国画的理论不谋而合，中国画家也乐于借鉴。四，印象派利用自然科学原理光学和色彩学研究成果，推进了西画的全面改革，也给有志于中国画革新的艺术家以激励、以启发。”事实上，印象主义之中的表现性因素，是有着深刻的历史文化情境的。所谓“强烈鲜艳的色彩之上而不失去自然的真”——这无疑体现了20世纪前期中国画坛关于印象主义的重要价值判断。

而在中国，从徐悲鸿“将西方造型艺术融于中国画（放弃'白描’改为素描，追求'光影效果’……）徐悲鸿的西化思想一直影响着当代书画！使中国画丧失根本（徐悲鸿的主张影响了中国画一百多年，把中国画的发展引入歧途！（“带到沟里去了”）严重地影响了中国画正确发展------；），因而虚有其表、华而不实！“俗话说得好，“练武不练功，到头一场空”！传统文化修养就是“中国画的功”，中国画是中华优秀传统文化的厚积薄发，离开传统文化？如“摘花折枝——命不久矣”。（今天看来，徐悲鸿林风眠、刘海粟、潘玉良等等的巴黎学习是“没有意义”的，以技求技的中西合璧把中国画引入歧途！）毕加索颇为不解地说：“我最不懂的，就是你们中国人为何要跑到巴黎来学习艺术……不要说巴黎没有艺术，整个西方，都没有艺术！”（摘自《西方没有艺术 中国艺术是第一》）

许多艺术家都在自己的油画风格和创作形式上进行着各种尝试和探索。莫奈作为东西方文化交流的成功典范，对其作品中东方情趣的研究为我们提供了如何对待本土文化与外来文化的模范和实例，同时也能够给当今的许多艺术家和年青的绘画学子在油画创作的革新道路上给予启示。现在，一些“国画家”们挖空心思追求逼真——“照相机效果”，大有将中国画“油画化”的趋势。笔者认为：这是舍本而逐末也。技术手法（绘画技法）是一定的，而人文思想（诗情画意）和中国传统文化艺术底蕴的追求是没有止境的。（中国画 以文弘道 不屑炫技）

于是，在“巴比松画派”后，西方的“印象主义、野兽派、抽象艺术、超现实主义……”成为了西方绘画的“主流”或发展方向；艺术家莫奈、梵高、毕加索的作品并非“写实主义”他的作品却倍受人们喜爱：莫奈、马奈作品的“笔触未经修饰而显见，构图宽广无边，尤其着重于光影的改变、对时间的印象……”至于“印象派”以后的野兽派、抽象艺术等等，是印象派的续写----------------

第十五名：爱德华-蒙克（EdvardMunch）《呐喊》（TheScream）

挪威画家爱德华-蒙克的代表作《呐喊》以1.199亿美元的价格在纽约成交（调整后价格：1.24亿美元）画面的主体是在血红色映衬下一个极其痛苦的表情，红色的背景源于1883年印尼喀拉喀托火山爆发，火山灰把天空染红了。画中的地点是从厄克贝里山上俯视的奥斯陆峡湾，有人认为该作品反映了现代人被存在主义的焦虑侵扰的意境。 这套组画题材范围广泛，以讴歌“生命、爱情和死亡”为基本主题，采用象征和隐喻的手。

第十四名： 《阿黛尔·布洛赫鲍尔I》，售价1.35亿美元，作者：克里姆特（奥地利）。

《阿德勒·布洛赫-鲍尔夫人的肖像》中的女人是奥地利19世纪末最富有的女人——银行家和制糖大亨费迪南德·布洛赫-鲍尔的妻子。这幅画的背景是光彩夺目的金色，主人公戴着一条银色的贴颈项链，金色的长袍是旋转式设计，装饰着占庭风格的花边。私人交易为1.35亿美元（调整后价格：1.58亿美元）

第十三名：威廉·德库宁(美国抽象派)的《Woman III》在2006年11月透过私下交易创下1亿3750万美元的高价

来自荷兰籍美国画家威廉德库宁的作品《女人III》，这是他在1951到1953年间创造的六幅“女子”系列画作的第三幅，2006年11月以1.37亿美元的价格转手（调整后价格：1.62亿美元）

第十二名： 弗朗西斯培根（Francis Bacon） 《弗洛伊德肖像画习作》以1.45亿美元成交

此画名为《弗洛伊德肖像画习作》，是英国画家弗朗西斯·培根于1969年为其挚友卢西安·弗洛伊德所绘的三联画，也是培根最为知名的代表作之一。

这三幅画曾经在20世纪70年代中期被不同藏家收藏，也曾分开在不同的世界知名美术馆内展出，时隔十五年之久，其中一位藏家将另外两幅一并购入，这件作品才得以再次拼凑完整。画作在佳士得拍卖行现身后，众多藏家闻风而动，直到今天，这场破纪录的拍卖仍是拍卖史上的名场面之一。作为战后颇受争议的欧美画家之一，培根充斥着动荡不安、黑暗暴力的作品更是让人们对于他的创作生涯和人生经历充满好奇，他和弗洛伊德“相爱相杀”般的关系也被屡屡提及。

第十一名： 毕加索（Pablo Picasso） 《梦》（Le Rêve）以1.58亿美元成交

毕加索对爱的完美体现《梦》1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。又过17年,64岁的毕加索给她的生日贺信中说:"对我来说,今天是你17岁生日,虽然你已度过了两倍的岁月。在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始。"《梦》这幅画作于1932年,可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

第十名：《1948年第5号》为美国画家杰克逊·波洛克作品，拍卖价格达1.4亿美金。

它属于抽象派“滴色”画，以棍棒蘸着颜料“滴色”即兴完成，杂乱无章，非常写意，适合表现作者本身的非理性绘画欲望和表现冲动。

第九名：《侧卧的裸女》作者为意大利画家阿梅代奥·莫迪利亚尼，以1.7亿美元价格拍出。

它表现着作者独特的个人风格——饱满而温暖柔和的色彩；热烈的笔触；以及让人怦然心动的情欲。

第八名：《阿尔及尔女人》，作者为西班牙画家毕加索，以1.794亿美元的价格卖出。

它属于毕加索开创的流派立体主义，这种流派以许多角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。

第七名：《Maerten Soolmans和Oopjen Coppit的画像》，作者为荷兰画家伦勃朗，以1.8亿美金卖出。

它属于古典油画，作者伦勃朗善于使用用精确的三角立体光，勾勒出人物的轮廓线，让其余部分隐藏于光暗之中。给人以稳定庄重的感觉。

第六名：《Violet, Green and Red》，作者为美国画家马克罗斯科，以1.86亿美元成交。

它属于抽象派色域绘画，这是一种由马克罗斯科创造的情绪化的艺术形式，代表着对色彩、形状、平衡、深度、构成、尺度等形式因素的关注。

第五名：《17A号》，作者为美国画家杰克逊·波洛克，成交价格2亿美元。

它同样是一幅滴色画，这些留在画布上纵横交错的颜料组成的图案具有激动人心的活力，记录了他作画时直接的身体运动。

第四名：《玩纸牌者》，作者为法国塞尚，成交价1.6亿英镑。

塞尚是现代艺术之父，属于后印象派，以色块的组合，表现出画面的质感和深度。

第三名：《你何时结婚》为法国画家高更作品，以3亿美元成交。

更同样属于后印象派画家，但他的个人风格是通过画面的分割、色块对比、物体的遮挡等关系，营造出一种多层次的空间视觉效果。

第二名：《救世主》为意大利画家达芬奇作品，成交价4.50312亿美元。

它属于古典油画，达芬奇神奇的笔法绘制出耶稣呈现动态状的头发，脸部肉色结构饱满，栩栩如生。和《蒙娜丽莎》一样，《救世主》整体画面蕴含着一种 令人不安的离奇生疏感。

第一名：《交换》为荷兰画家库宁的作品，以5亿美元成交。

库宁是抽象表现主义的代表人物，这一流派追求强烈的绘画激情，追求摆脱秩序和规则的限制，写意式的色彩挥洒，是一种“心灵即兴创作”。

 7 世界十五幅最贵名画-成交价最贵的十幅画！2023-02-09

 【注】二零一七年前是没有“写实作品”的！2017-11-16 中新网11月16日电据外媒报道，文艺复兴大师达·芬奇的一幅画作15日在纽约佳士得拍卖行拍卖。最终，这幅画以4.503亿美元的价格成交，创下艺术品拍卖的“最昂贵”纪录，排名第二。2021-05-04 佳士得通过私人销售渠道，为法国卢浮宫和荷兰国立博物馆首次联合购买了两幅伦勃朗的杰作。价格为1.6亿欧元（每幅8000万欧元），从而成为历史上最昂贵的名画，排名第七。

中华民族在漫长的历史中形成的灿烂文化。这种文化对于民族的延续，对于国家的发展，对于国家的存亡有着特别重大的意义。中国画是世界艺术之林里最鲜艳、最灿烂的牡丹花——中国画是中国人文情思里最为深重的沉淀。中国画是中华优秀传统文化的载体，即：传统文化的厚积薄发。本质上，中国绘画富于“形而上”的意味。王维开创诗与画的结合的萌芽，宋徽宗赵佶创立了“中国画的诗情画意”标准形式——集诗书画于一体，自此成为了中国文人永恒的精神追求。没有文化自信，何谈中华民族伟大复兴？

我们“崇洋媚外”久矣！文化被入侵：“一个国家或民族，通过文化改造和思想改造而达到的征服行为。具体是从人的价值观、伦理观、道德观发生的渗透更为普遍。通俗说，就是崇洋媚外！”中国美术界是最大的“文化被入侵行业”！国人眼里，“画的细腻的就是好的”？这是典型的无知！现在的书画家全部是以运用代替文化，崇尚“一招鲜吃遍天”的赚快钱的小格局思想；让机械的技法有大市场。因此，不在乎有没有思想，能不能有个性，唯利是图！这样没有“大格局”，故，只能是“白菜价”啦！ 

顾绍骅于二零二三年三月一日