大师的华章――关于美术（四）

对于美术家的评论，个人大抵如前面的分析：达利是最有穿透力的画家，如果有100个毕加索，达利只能有20个，达利更注重思想的广博，深沉和持久；凡高是用生命画画，这是美术届的莫扎特。在新古典主义画家中，大卫作品虽然被市场低估，但个人认为这个人冷峻和画风转变都是一股强劲风潮，荡涤着画坛历史和潮流。写实和印象则是这样画风扩展和外延。

综观世界美术历史，从佛罗伦萨为核心，到威尼斯再到巴黎，这是欧洲美术中心变迁，在这个变迁中主流方向的从宗教开始发端，到人性的开展和张扬，再到画家自我中心和价值观的体现，这是一个欧洲人文发展史重要方向。为什么提说这个？因为这是欧洲思想和社会发展的一个侧影：欧洲文艺复兴开始建立一个人性完善发展的历程，中间穿插着各种反人性的暴力和战争，但都没有压制自由的人性。而中国画不同，中国画在人物画和人物相关的场面画很单薄。中国画张扬的是山水树木，这样玄远不涉及人性，更加远离政治，山水更是一种隐退散淡的描写，是一种逃避和隐世的抒发，这是中国画历史长河的真实场景：即使存在人物，那种人物非常模糊和单一化格式化的，即使在抗日战争中出现徐悲鸿的一匹马，都依然显得那样单调和孤僻，看不出画家个性张扬，而尽量表现的一种集体无意识的激越，没有特征。

当然我也不是说中国画非要模特儿模特儿的那样肆意，和《泰坦尼克号》那样，起码和大卫，米勒，或者拉斐尔那样，不敢奢求和德拉克洛瓦那样热烈奔放；起码彰显一定时代气息，这是对中国画历史一种欠缺的批评。欧洲从神性到人性的转变对社会很大进步，我希望中国画能从物性提高到人性来展现人性的内在魅力，这也是一种值得探讨的方向：只有探讨人性完美和完善对人类发展更有价值和意义！

其实，我是中国文化熏陶的成长起来的，对于中国文化有种先天的适应，对于外国文化冲突并不是认识和价值分析上的，而是习惯性的，比如对美国电影一种审美观的矛盾心理，这不是思维意义上的，而是习惯性个人使然。比如对于中国画那种山水有种本能的喜好，因为这样山水摈弃了社会关系复杂和人性复杂，给人与世无争的清静，郑板桥的竹子画依然有这样功效，当然对我选择来说是个好事，但千篇一律的这样画显得有些沉寂和压抑，显得有些孤单和单调，显得有些畸形和病态。你再组织一些跟鸭子一样的人参观和推崇，也不过是没有意义资源浪费。我劝天公重抖擞，不拘一格将人才。

能将思想和梦幻引入画的是达利，而对个人个性张扬级致是凡高。凡高的悲剧式生活经历将他的生命都变成的画面，画面中不是单纯的画画，其中存在自我个性张扬，这个人对色彩的注重，对画面形态的注重都超越以往的画家，要么是近似亮色调张扬，要么是暗色调的重复，这样降低层次感，突兀一种心情或者情绪化的概念和氛围。凡高的故事不忍卒读，但不可不读，正如莫扎特一样。

那么毕加索的《亚维农少女》的意义在那里？其实，我也说不上所以然，但是非要说个所以然，当然这和其他人的评价一样，这是一种画风的坐标性意义：一种的新的模式和思想的产生。但个人认为，这个画面揭示了人性的同质化的存在的无意义，消弭了个性，甚至消弭了性之后――那种画面剔除了所谓性感，人的存在存在同质化的危机，没有什么实在意义，没有什么价值，和陈列商品一样，存在机械化物化单调化的倾向，正如马尔都塞说的“单向度的人”的人一样。这是也是后马克思主义需要反思和批判的东西，前马克思思想是主要讲如何从不合理生产关系中解放出来，后马克思思想的学者考虑是如何将人从社会化大生产压力中解放出来，当然这个历程可能是漫长的。在毕加索作品中，这种同质化人性倾向非常明显，这也许立体主义画风单调化的方式正契合社会现实的意义。当人性和机械生产一样需要条理化存在的时候，获得和失去可能是一样的，如果剔除生命维持意义的话。这也许是立体主义本身画风存在的一种隐喻。当然画家仅仅是揭示了一种人性危机。

谈到中国画，这样善于做画人比我多多少，没有必要本人如此多此一举，所以，将中国画简单列举一下，也防止有些人批评本人无视国画，批评有时候也一种尊重，所以，这里专门提说中国画。关于美术的概述，这里告一段落，不再后续其他文章，如果必要，将个别评论。

原发百度个人博客